Uno de los primos cuenta en primera persona todo lo que recuerda sobre la aventura de “dos primos muy primos”. Desde como se gestaron las primeras historietas hasta la participacion en Festivales, programas de televisión, premios, anecdotas varias, cortos inéditos, etc…

Javier Batalla y Cristian Font (www.dosprimosmuyprimos.es), ganadores del Undercurt 2005, nos hacen llegar este documental a través de nuestro formulario de contacto.

Un saludo y gracias Primos!

La escena de hoy corresponde a El hombre del traje blanco (The man in the white suit, 1951) película británica dirigida por Alexander Mackendrick para la productora Ealing, creadora de deliciosas comedias británicas durante los años 40 y 50 de las que podemos destacar otras maravillas como Ocho sentencias de muerte (Kind Hearts and Coronets, 1949), protagonizada (superprotagonizada*, cabría decir) también por Alec Guiness, o El quinteto de la muerte (The Ladykillers, 1955), donde volverán a coincidir Mackendrick y Guinness.

Por cierto, para los más jóvenes: Alec Guiness es, efectivamente, Obi Wan Kenobi, no dudéis más. Otro día os hablo del coronel Nicholson, uno de mis personajes favoritos de siempre.

El argumento nos lleva a Sidney Stratton (Alec Guiness), un científico solitario y visionario; un químico graduado en Cambridge que ha salido rebotado de sus últimos siete empleos y al que solo le interesa su investigación para lograr un tejido que no se rompa ni se ensucie. Está dispuesto a lo que sea para conseguirlo y al final la empresa Barnley le da esa oportunidad, ofreciéndole su laboratorio. Stratton consigue el tejido, un éxito que acabará enfrentándole a todo el mundo ya que ni a patronos ni a obreros les interesa, supondría el fin del sistema tal como se conoce.

La escena elegida en esta ocasión son los últimos 15 minutos de película, cuando la película enloquece por completo: Stratton ha conseguido hacerse el traje e inicia una alocada huida en su búsqueda de publicar el descubrimiento mientras todo el mundo intenta impedírselo.

La huida de Stratton comienza escapándose de la mansión del dueño de la empresa. Allí es tentado con dinero por una mujer hermosa, y rechaza ambas cosas. Su traje blanco también representa la pureza o, si prefieren, la ingenuidad del personaje.

Pero la huida de los patronos será para caer en las brasas. El rumor sobre el traje se ha extendido y los obreros no son ajenos a que dicho descubrimiento les dejará sin trabajo en unos meses. Tienen que evitarlo a toda costa, así que lo atrapan y lo encierran en una habitación. Aprovecha Mackendrick esa escena para caricaturizar, en el tono de toda la película, a Stratton como al caballero de brillante armadura, un Don Quijote moderno, digno y a la vez ridículo, que lucha contra la realidad que lo rodea. Y la realidad se lo va a llevar por delante, como el brazo de un molino de viento.

Los dirigentes obreros se dirigen a la mansión donde los patronos están en un ‘comité de crisis’. Sidney es es futuro inmanejable que les asusta. Rápidamente llegan a un acuerdo.

Un personaje, al que podríamos llamar “el socialdemócrata”, (lo vemos en el fotograma mediando entre patronos y obreros, deja claro el discurso ‘racional’ de la película):

Queridos amigos, deben darse cuenta de que no existe ninguna clase de discrepancias. La empresa y el productos van de la mano en este asunto. una vez más, como tantas veces en el pasado, cada uno necesita de la ayuda del otro

Toma lucha de clases; Marx chúpate esa.

Así que Stratton vuelve a estar solo contra el mundo. Únicamente una niña (tan ingenua como él) se apiada del perseguido y lo libera de la ‘cárcel del pueblo’ dónde está recluido. Más tarde la misma niña le echa otra vez una mano despistando a la multitud en su persecución.

Pero volvemos a la reunión entre empresarios y comité de empresa. Llega la noticia de que Sidney ha escapado y todos se lanzan, juntos, en su batida por las calles. Es el momento cumbre de la película, que se convierte en una mezcla de cine cómico y expresionismo alemán. La fotografía está muy lograda, las sombras de las calles desiertas contrastan con la luminosidad del traje de Guiness. Su traje brilla en la oscuridad y ese hombre gris que se paseaba por la película pasando desapercibido se convierte en un blanco fácil (perdón por el chiste malo). Ahora quisiera camuflarse pero no puede.

Durante su huida se cruza con la señora Watson, su casera, quien le ayudó cuando él no podía pagarse ni la habitación ni la comida. Ella le pregunta cómo podrá ganarse la vida lavando si no hay nada sucio que lavar.  Es una bofetada en la cara de Sidney, una pequeña catarsis que lo saca por un momento de su mundo irreal y le pone los pies en el suelo. O tal vez lo arranca de su propio ombligo, ya que no tengo tan claro si Stratton actúa por altruismo o por vanidad.

En un montaje paralelo nos enteramos de que el tejido es inestable, el experimento ha fracasado. Las palabras de la señora Watson dejan a Sidney conmocionado, delante de las puertas de la fábrica, donde lo encuentra el comité de linchamiento, que lo rodea expectante. El primero de ellos se abalanza sobre él y le agarra del traje, percatándose de que éste se hace pedazos.

El sueño de Stratton se deshace, literalmente. Para patronos y obreros el peligro ha pasado y lo celebran riendo y gritando, arrancándole a Stratton el traje y dejándolo casi en ropa interior en medio de la calle. Solo las dos mujeres de la película que le han apreciado, Berta, la obrera, y Daphne, la hija del patrón, sienten pena por él.

Cuando callan las risas le hacen un pasillo y él se retira, humillado y a la vez digno en su derrota. Alguien le ofrece un abrigo para que se tape. Un abrigo como los demás, Stratton vuelve a ser un hombre como los demás.

Aunque con tonos negros, la película es una comedia y se permite el típico final esperanzador. O inquietante, según se mire. Sidney se despide de la fábrica y la voz en off nos dice que la crisis ha pasado, que ha sido el final de una quimera. Él camina repasando sus notas hasta que sonríe y exclama “Claro”. El sonido usado durante la película para el laboratorio nos indica que Sidney está preparado para un nuevo intento, que no se da por vencido.

La quimera continúa, el sistema no está a salvo de soñadores.

El hombre del traje blanco no es una película tan redonda como El Quinteto de la muerte, que recomiendo fervientemente, pero es otra de esas películas que me impactaron cuando la vi de niño, por eso me apetecía compartirla con quien quiera leer esto.  Lo primero que me gusta de ella es que es difícil de encasillar. Mackendrick la definió como “una película de dibujos animados politizada”. Si él lo dice será cierto. También tiene rasgos de película fantástica. La mezcla de cine fantástico y comedia me recuerda a veces a El hombre invisible de James Whale, (The Invisible Man, 1933), otra maravilla maltratada por sus remakes.

La comedia llega por momentos al slapstick y enloquece en el tramo final, la escena descrita aquí. También incluye a una historia sentimental que se va diluyendo y que es lo más flojo del conjunto, ya que distrae más que otra cosa. Todo ello para rebajar la tremenda carga política subterránea, o la historia más ‘filosófica’ de un hombre luchando contra la sociedad.

También me parece una película muy actual en estos tiempos en los que el sistema económico, más que nunca, se basa en la llamada ‘obsolescencia programada’. Como ven no es un tema nuevo y el film plantea un dilema que no tiene fácil solución. La lógica del sistema soporta difícilmente la reforma y expulsa cualquier elemento que haga rechinar el mecanismo; la otra solución, el cambio radical, provoca el miedo al abismo de lo desconocido.

A su vez, en el plano más existencial El hombre del traje blanco también tiene ecos **ludistas, o como el avance de la ciencia por encima de cualquier consideración económica y/o social puede tener consecuencias catastróficas. Eso nos podría llevar a otro debate, también antiguo: ¿el avance tecnológico se corresponde con un avance moral o espiritual del hombre? No se asusten, lo dejo aquí.

Y, sobre todo, disfruten de la magnífica interpretación de Alec Guiness, que ya apuntaba en estos años el extraordinario actor en el que se iba a convertir, uno de los más grandes de la historia del cine, más allá de túnicas y espadas láser.

Los Estudios Ealing y el british style

El nombre del director norteamericano (de origen escocés y criado en Glasgow) está muy ligado a la productora Ealing, dónde realizó sus trabajos más notables, como la película que nos ocupa, La Bella Maggie (The Maggie, 1954) o la ya mencionada El quinteto de la muerte, con un genial Peter Sellers.

Otras de las películas destacadas de Ealing son “Ocho sentencias de muerte” (Kind Hearts and Coronets; Robert Hamer, 1949) u “Oro en Barras” (The Lavender Hill Mob; Charles Crichton, 1951).

Durante los años 50 los estudios fundados décadas antes en un barrio periférico de Londres se dio a conocer por unas producciones de escaso presupuesto que fueron muy bien acogidas por el público y situaron al cine británico en el mundo. Se caracterizaban por un humor negro bastante ácido. Según las propias palabras de Michael Balcon, director y alma del estudio, en Ealing “se realizaron, durante un cuarto de siglo, numerosas películas que reflejan cómo son Gran Bretaña y el carácter británico.” Las películas del pequeño estudio londinense marcaron el carácter que luego han tenido películas y series de televisión que a primer golpe de vista identificamos como genuinamente británicas. Ahora me vienen la cabeza series como Yes Minister (1980-1984) o las últimas series de Rick Gervais. Ese humor incómodo con una gran carga crítica, desprovisto de los buenos sentimientos que acompañan a su homólogo norteamericano y que hace al británico mucho más afilado y, si me permiten, más preciso en la descripción de la naturaleza humana. También más incómodo, claro. Los dos tipos de comedia son terapéuticos, pero mientras un tratamiento es a base de cosquillas en el otro te clavan alfileres.

Fascurt 2012 arranca el 5 de julio. Si quieres participar, recuerda que tienes hasta el 4 de mayo para mandarnos tu corto

Descárgate aquí las bases y el formulario de inscripción en formato PDF.

El Salario del miedo (Le salaire de la peur) es una película franco-italiana dirigida por Henri-Georges Clouzot en 1953 y basada en la novela del mismo nombre escrita por Georges Arnaud tres años antes. La película respeta bastante la novela aunque con algunas interesantes variaciones de Clouzot. La escena que he escogido, por ejemplo, no está en el libro.

La historia se sitúa en algún lugar olvidado de Centroamérica, presumiblemente Guatemala (aunque, como dice Arnaud “Guatemala no existe, lo se, viví allí”). Una explotación petrolífera estadounidense sufre un incendio y para apagarlo necesitan provocar una explosión con gran cantidad de nitroglicerina. Pero el explosivo hay que trasladarlo unos kilómetros por carreteras muy peligrosas. Para ello se contrata a cuatro hombres (en dos camiones, por si uno explota durante el viaje), extranjeros europeos desarraigados que malviven en un pueblucho cercano. La protagoniza Yves Montand (Mario), estrella de la canción y el cine francés de la época, junto a otros actores menos conocidos como Charles Vatel (Jo), Peter Van Eyck (Bimba) y Folco Lulli (Luigi), que componen un reparto a la altura de las circunstancias.

Se suele catalogar dentro del género dramático pero también es un thriller, un film político, incluso filosófico y, sobre todo en su mejor parte, una peli de suspense digna del propio Sir Alfred Hitchcock.

La película se divide claramente en dos partes que podrían componer dos films distintos. En la primera, Clouzot nos pone en situación: nos presenta a Mario y el ambiente decadente de uno de esos pueblos fronterizos por donde dios (el que sea) no paró ni para ir al baño. Respiramos el calor, la monotonía y la ausencia de horizonte de unos hombres que vegetan esperando que ocurra algo que les saque del agujero.

La primera imagen muestra unas cucarachas atrapadas por un niño sucio y medio desnudo. Cuando el niño se incorpora del suelo la cámara nos pone en situación. De golpe, en toda la cara.

Sin comentarios

Les animo a que tengan paciencia y la vean, teniendo en cuenta que esta primera parte es lo más flojo de la película.  Aunque nos presenta situación y personajes (un protagonista, por cierto, más bien antipático), tal vez es demasiado larga. Además tendrán que soportar la interpretación de Vera Clouzot (Linda) cuyo apellido lo explica todo.

Henri, te perdonamos porque somos unos románticos, pero te pasaste un pasote

También nos muestra la relación entre los dos protagonistas, con unos tonos ambiguos pero creo que marcadamente homosexuales que podría resumir en el siguiente diálogo:

Mario: – Yo no estoy hecho para esa muñeca ñoña (refiriéndose al personaje de Vera)

Jo: – Los tipos como nosotros no estamos hechos para ninguna

De acuerdo, si es necesario pulsen el fast forward pero no el stop, háganme caso, valdrá la pena. La primera parte (que no deja de ser interesante) es la película que el niño que les escribe olvidó al día siguiente; la que recuerda vivamente con angustia es la que empieza cuando unos cuantos aspirantes compiten fieramente por un trabajo suicida y cuando cuatro de ellos logran el premio y empieza la travesía.

Nervios, miedo, ¿no les parecen muy solos, casi desamparados?

Jo: – ¿Hace calor o frío?

Mario: – Calor, ¿por qué?

Jo: – Porque aquí estoy congelado

Es el momento de la verdad y la arrogancia mostrada hasta ahora por Jo empieza a ser triturada por el miedo.

Y por fin, tras una introducción larguísima por mi parte (mi pequeño homenaje a Clouzot) llegamos a la escena que quiero destacar, la del puente.

Los primeros en pasar son Bimba y Luigi, en lo que me parece un recurso muy acertado de Clouzot. Supone un aperitivo bastante contundente para ir preparándonos al paso del segundo camión, el de Mario y Jo.

No se puede decir que nos nos avisen. Y de paso recuerden, fumar es malo.

Cuando ven en la plataforma el agujero que ha dejado el primer camión y comprueban que la madera está podrida Jo dice que ya ha tenido bastante, no se puede pasar, abandona.  Pero Mario no se da por vencido. Cree que puede hacerlo, aunque tendrá que llevar el camión marcha atrás hasta el mismo borde.

Jo: – No lo intentes Mario ¿no ves que son tablas podridas? Esto no es madera, es esponja ¿Se te ha subido al nitro a la cabeza? Mira el suelo, está lleno de grasa, parece una pista de patinaje, aunque no se hundiera el suelo, patinarías

Mario: – Son 2.000 dólares

Jo: – Y a mí qué, me importa más mi pellejo

Mario: – Demasiado tarde, haberlo pensado antes [...] Pues si ahora hay que pasar, hay que pasar

Empiezan a dar marcha atrás, muy poco a poco. Jo quiere que pare, Mario quiere dejar el camión en el borde. Tanto que aprisiona a Jo contra la vagoneta, que cae al barranco con el estruendo de un mal presagio.  Y al final consigue lo que quería, llegar al límite.

Mario cree que Jo ha caído por el barranco junto a la vagoneta y lo busca desesperadamente. Encuentra su gorra y empieza a convencerse de que algo terrible le ha pasado. Al final lo encuentra, está subiendo por un barranco, alejándose del lugar, dejándolo tirado.

Mario se sube al camión y empieza a dar marcha adelante. Otra vez con poco recursos: el rugido del motor, un plano detalle de una rueda intentando subir la pendiente o patinando en el barro, el rostro crispado de Mario… consigue subir la tensión hasta el límite. Existe el peligro de que el camión no pueda subir, se deslice y caiga al barranco.

Jo lo observa, preocupado y angustiado por la cobardía que le ha llevado a abandonar a su amigo. De esa manera Clouzot consigue que no se nos olvide lo que está en juego porque nos identificamos con Jo; dan ganas de esconderse tras el sofá.

Pero no contento con eso, Clouzot sube la apuesta. Cuando parece que Mario ha solucionado el problema de que el camión patine y empieza a avanzar, un gancho del camión atrapa el cable metálico que sujeta toda la estructura de madera que lo sustenta.

Mario no se da cuenta pero, cada centímetro que avanza el camión tensa un poco más el cable, hasta que se rompe. La estructura de madera empieza a tambalearse y a separarse de la carretera mientras el camión todavía apoya sus ruedas traseras en ella.

Justo cuando la estructura se desmorona finalmente, el camión logra avanzar y se salva por los pelos. Mario pasa junto a Jo, que le esperaba en lo alto del barranco, a salvo de cualquier problema. Mario está cabreado por la traición y pasa de largo. Jo se agarra al camión, no quiere que le abandone ahí pero Mario lo manda a la mierda y sigue adelante.

Al final, de mala gana, se compadece de él y le recoge. Eso sí, sin dejar de recriminarle “cobarde, basura, etc.” Mientras Jo le dice que lo que le pasa a él es que es un inconsciente sin cabeza, por eso no teme a nada.

Luego vendrá otra escena memorable, en el mismo estilo que la anterior, cuando ambos camiones se juntan para afrontar un derrumbe que ha bloqueado el camino con grandes rocas y usan la nitro para despejarlo. Otra vez Clouzot vuelve a dejarnos sin respiración y otra vez con muy poco elementos: unos labios mordidos, unos dedos jugando con una caja de cerillas.

El camino está lleno de penalidades hasta el final, aunque no quiero desvelar nada por si alguien se anima a verla después de leer esto. Eso sí, no me resisto a mencionar una gran frase que Jo dirá en un momento importante de la película: “Cuando juegas a hacer el gilipollas siempre ganas”.

Hay algo de Peckinpah en esta película (aunque sería más exacto decirlo al revés) en varias cosas. Aquí también el paisaje es un protagonista más, masticamos el calor y el polvo. Los protagonistas son un “grupo salvaje” de camioneros, de vuelta de todo, derrotados pero dignos, con un peso dentro del que solo los puede librar la muerte. Seguro que a Pekinpah le gustó la película. Por cierto, su Grupo Salvaje (The Wild Bunch, 1969) empieza igual, un niño torturando a unos bichos.

También me lo recuerda el modo seco, cortante, de explicar la historia. La falta de énfasis (dejando de lado las famosas cámaras lentas de Peckinpah) y de adorno innecesario para contarlo. Por ejemplo, al prescindir de música y efectos sonoros más allá de los imprescindibles para la escena del puente. Ahí se fue mi mente un momento a La Balada de Cable Hogue (The Ballad of Cable Hogue, 1970), gran película. Si la peli la hicieran ahora nos dejarían sordos con una estruendosa música para indicarnos que debemos ponernos nerviosos.

Clouzot sólo utiliza la música (al modo dogma, integrada en el argumento) al final, en la última escena (gran montaje también), para crear un contraste interesante que tendrán que ver ustedes mismos porque seré muchas cosas, pero no soy de los que van por ahí reventando finales.

Tres niveles

Esta parte ya es un bonus track solo para lectores incondicionales o con más tiempo libre.  Yo, cuando me pongo, veo lo que no hay y en El salario del miedo veo tres niveles de discurso.

1. El más inmediato, el que me quitó el sueño cuando era un niño, y que sigue siendo mi preferido, es el suspense de un viaje en el que sientes el peligro constante.
2. Cuando la volví a ver, joven y con ciertas lecturas encima, vi claramente su discurso político (tan actual, por cierto):  las relaciones de poder capitalistas, la dureza de la ley de la oferta y la demanda que muchas veces se parece demasiado a la esclavitud, en la que el libre albedrío se convierte en elegir entre una muerte lenta malviviendo en el pueblucho o una rápida volando por los aires en un camión.
3. Al verla de nuevo, con menos pelo en la cabeza, leo un tercer nivel, en este caso filosófico. No en vano la película nace en unos años en los que Sartre y Camus marcan la pauta en Francia. Veo en la película una angustia real (no poder pagar la comida, la ropa ni la cama) y otra más metafísica en la que los personajes viven arrastrados por su circunstancia, sin futuro y sin tener claro cuál es el verdadero sentido de su propia existencia. El que sean extranjeros atrapados en un mundo ajeno (no se mezclan con la población local) refuerza su soledad, su desarraigo,  la sensación de vivir una vida equivocada en el lugar equivocado. Eso les lleva a un viaje peligroso a ninguna parte. Con un final apropiado, por cierto.

Perdón por ponerme tan intenso, me dejé llevar. Me encanta cuando una película, un libro o una canción cambian con los años, van creciendo conmigo y dándome algo nuevo cada vez.

Pero no me hagan mucho caso, si quieren ver la película para disfrutar de un rato de buen suspense, de una película de aventuras con una atmósfera angustiante, no se arrepentirán. Eso es puro cine. Lo demás son parole, parole, parole.

Curiosidades

El Salario del miedo obtuvo un gran éxito de público y, sobre todo, de crítica en Europa. Ese año se llevó la Palma de Oro en el festival de Cannes (de ella dijo Edward G. Robinson, miembro del jurado, que era “una patada en el bajo vientre”) y el Oso de Oro en Berlín, además de ser elegida mejor película en los premios BAFTA británicos. En los Estados Unidos de aquellos años no se vio igual. El Herald Tribune acusó al film de describir el negocio petrolífero de forma gangsteril y de ser una película comunista y antiamericana. Las conocidas simpatías izquierdistas de Yves Montand supongo que también ayudaron.

Como comprenderán quienes hayan visto la película, la carrera cinematográfica de Vera Clouzot se redujo a tres películas dirigidas todas por su marido. Las otras dos son Los Espías (Les Espions, 1957) y la que es considerada la obra maestra de Clouzot: Las Diabólicas (Les Diaboliques, 1955). Otro thriller muy negro y opresivo en el que también juega maravillosamente con el suspense. Por cierto, de esta película se hizo un remake norteamericano en 1996, Diabolique, protagonizado por Chazz Palminteri, Sharon Stone e Isabelle Adjani.

La novela homónima en la que se basa El salario del miedo contiene algunos tintes autobiográficos. Su autor, Georges Arnaud (cuyo nombre real era Henri Girard) tenía una cómoda vida de alta burguesía francesa hasta que en octubre de 1942 se vio envuelto en un hecho que la giró por completo. Su padre, su tía y una criada fueron salvajemente asesinados en su castillo familiar y él fue acusado del crimen. Tras pasar más de un año en diversas prisiones, fue absuelto, dilapidó su fortuna y se marchó a Suramérica. Allí, sin un duro, hizo de todo para sobrevivir: fue buscador de oro, topógrafo, taxista, cantinero, marinero y camionero. Tras el éxito de la novela y la película se dedicó a escribir y vivió en diferentes lugares. Murió en 1987 en Barcelona, adonde se había mudado tres años antes.

Del 20 al 23 de octubre del 2011, se celebra la 5ª edición de la Muestra de Cine Árabe y Mediterráneo de Cataluña.

La Muestra nace el año 2006 como un proyecto cultural independente organizado conjuntamente por las entidades Associació CineBaix y Sodepau, y cuenta con el apoyo de Beirut DC, una asociación de profesionales del cine del Líbano, organizadores del prestigioso festival Ayam Beirut Cinema’iya (أيام بيروت السينمائية). 

Cartel de la V Muestra

Este año, la Muestra estrena sede en la Filmoteca de Catalunya de Barcelona –junto a su sede habitual en Sant Feliu de Llobregat– e inaugura sesiones especiales en las poblaciones catalanas de Igualda y Vic. Esta edición tendrá a Egipto como país invitado y rendirá homenaje al director sirio Omar Amiralay.

Este tipo de festivales y muestras son la mejor oportunidad para ver aquellas películas que no suelen llegar a nuestras salas comerciales así que, si podéis, no os perdáis la programación que nos ofrecen en esta nueva edición.

El barbero Abou Milad (Mahmoud Mabsout) y el Sr. Raymond Baddar (Rafic Ali Ahmad)

Hany Tamba nació en Beirut. En su carrera como cineasta ha ganado diversos premios: el RTBF TV a la mejor película y el premio del público con su primer largometraje  Melodrama Habibi/Une chanson dans la tête (2008), ambos en el Festival Europeo de Cine de Bruselas; diversos premios en el Lutin Short Film y el premio francés César al mejor cortometraje por After Shave (Beyrouth après rasage) (2004); finalmente obtuvo una mención especial del jurado, el año 2000, en el Clermont-Ferrand International Short Film Festival por el cortometraje Mabrouk Again! (1999).

Excelente interpretación de Mahmoud Mabsout

Cuando me enteré de la existencia de este corto me pareció una buena opción para esta segunda entrada ya que, con After Shave (Beyrouth après rasage) de Hany Tamba, mantenemos una continuidad con el buen cine de directores de origen libanés, seguimos envueltos de los escenarios urbanos de la ciudad de Beirut y, finalmente, volvemos a ver al recientemente desaparecido Mahmoud Mabsout en pantalla.

En el anterior post no hice ninguna mención a la elección del título para esta sección.
فراشات في الزفت (Mariposas en el asfalto), es una llamada a la belleza de aquellas pequeñas cosas que nos hacen la vida mejor sólo por el hecho de existir y que pueden surgir, incluso, en el entorno más gris. Cuando, a veces, estas cosas (un libro, una música, una persona, una película…) penetran bien adentro, nos invitan a pensar, a soñar y, en el mejor de los casos, a crear. El cine, cómo no, es una de ellas.

After Shave (Beyrouth après rasage)

Francia/Líbano, 2004. 27′

• Mejor cortometraje, Premios César de Cine Francés, 2006
• Mejor película de ficción, mejor dirección, mejor fotografía, mejor producción y mejor guión, Lutin Short Film, 2006

Abou Milad (Mahmoud Mabsout), un barbero que perdió su local durante la guerra civil, practica el oficio en uno dels cafés de la ciudad. Un día, el Sr. Raymond Baddar (Rafic Ali Ahmad), un viudo burgués y apoderado que vive recluido en su casa tras la muerte de su mujer Samira (Julia Kassar), solicitará sus servicios. Tanto para uno como para el otro, el recuerdo del pasado es mejor que el presente pero el encuentro entre ambos les conducirá –según cómo se mire– a “mejor vida”.

- ¡Qué “sex-appeal”! Comenta Abou Milad a su muje. Ha encontrado su “gallina de los huevos de oro”

Un cortometraje de argumento sencillo y sin pretensiones, simpático y bien cuidado –buena dirección de fotografía de Emmanuel Soyer, especialmente en el interior de la mansión– que te dibuja una sonrisa de principio a fin tan sólo con ver a Abou Milad caminar por las estancias de la casa acompañado de la fantástica música de Khaled Mouzannar (Caramel, 2007). Excelente interpretación y generosas dosis de humor en un panorama de gran contraste social y económico entre los protagonistas. La película nos abre la puerta a una pequeña reflexión sobre la suerte y la desgracia, el presente y el pasado o la vida y la muerte.

El amor más allá de la vida entre el Sr. Raymond (Rafic Ali Ahmad) y su mujer Samira (Julia Kassar)

En esta ocasión, tenemos la suerte de poder ver el corto –en versión original en libanés y subtítulos en francés– desde la página de 6nema, le court métrage sur la web. No os lo perdáis.

Entre tanto lujo, Abou Milad se encanta frente a esta pequeña tortuga

Este trabajo me ha gustado muchísimo. Combinando ilustraciones de estilo claramente retro, con efectos de lente (viñeteados, desenfoques, desestabilizadores, etc.) y emisores de partículas primitivas, Céline Desrumaux ha realizado este corto apoyándose en un tema compuesto por Apparat (aka Sascha Ring).

Sus referencias van desde el ilustrador Chris Ware, a artistas visuales como Hans Richter, Len Lye y los cineastas Stanley Kubric y Godfrey Reggio (por su Qatsi Trilogy –que si no habéis visto estas tres películas, ya tardáis–). También hace mención a un discurso de JFK que os dejo a continuación.

Vía: D’Last Frame

Os hablaba en un post anterior sobre la opera prima Eva de Kike Maíllo, la cual después de pasar por Venecia, será la encargada de inaugurar la 44 edición del Sitges Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya, el próximo 6 de Octubre.

Otra de las películas que estará en Sitges, se presume pero todavía no es oficial, será Verbo del director madrileño Eduardo Chapero Jackson, opera prima de este gran cortometrajista creador de tres grandes cortos como son, Contracuerpo, Alumbramiento y The End. Los dos últimos se pudieron ver en Fascurt en las ediciones 2008 y 2009 respectivamente.

Parece que la nueva hornada de directores patrios apuesta fuerte por el cine fantástico  y eso nos gusta.

Verbo nos cuenta la historia de Sara, una tímida adolescente que intuye que en el mundo tiene que existir algo más de lo que ven nuestros ojos; guiada por su instinto , comienza a encontrar en su gris existencia una serie de mensajes y pistas que la empujan a entrar en una nueva y peligrosa dimensión, en la que deberá iniciar un viaje para salvar su vida y cambiar la realidad.

La película está protagonizada, en el papel de Sara, por la desconocida Alba García y también aparecen Miguel Ángel Silvestre, Najwa Nimri, Verónica Echegui, Macarena Gómez y Víctor Clavijo entre otros.

Veremos que tal se desenvuelve Jackson con su primera película y si público y crítica le respalda.

“Dave!”

Navegando por la web, me he encontrado con un sitio que me ha dejado fascinado. Se trata del blog If we don’t, remember me, abierto desde octubre de 2010 por Gustaf Mantel.

En este blog encontraremos planos de películas capturados en un GIF animado. Me ha sorprendido la calidad de la imagen y la finura con la que está logrado el loop.

Esta técnica la hicieron famosa la fotógrafa de moda Jamie Beck y el artista gráfico Kevin Burg con su serie “cinemagraphs“.

There’s something magical about a still photograph –a captured moment in time– that can simultaneously exist outside the fraction of a second the shutter captures.

– Jamie Beck

“I have all the characteristics of a human being: flesh, blood, skin, hair … but not a single, clear, identifiable emotion, except for greed and disgust.”

“Los Angeles, November 2019, Part III (I, II)”

“Monday, we burn Miller … Tuesday, Tolstoy … Wednesday, Walt Whitman … Friday, Faulkner … and Saturday and Sunday, Schopenhauer and Sartre. We burn them to ashes and then burn the ashes. That’s our official motto.”

“This is pretty much the worst video ever made.”

“This is Ripley, last survivor of the Nostromo, signing off.”